POR ÁNGEL BECCASSINO

Pablo Picasso amaba los cómics a los que Francis Lacassin denominó el noveno arte, "fruto del sinergismo de la imagen icónica secuencial y del texto literario escrito, que reconcilian dos tradiciones culturales tantas veces antagónicas, la sensorial y la intelectual, la del eros y la del logos", en palabras de Román Gubern.

Joyce, Steinbeck, Norman Mailer y muchos grandes escritores también amaron los cómics a partir de ese legado norteamericano inaugurado por los maravillosos dibujos contando, en coincidencia con las primeras investigaciones de Sigmund Freud, los oníricos viajes del niño Little Nemo en el país de los sueños (Winsor McCay, 1905). Esa tradición continuó con Krazy Kat, el gato enamorado del ratón que le arroja ladrillos creado por George Herriman (1910), El Príncipe Valiente de Harold Foster, El gato Fritz de Robert Crumb, Contrato con Dios de Will Eisner, Maus de Art Spiegelman.

El comic norteamericano había nacido a fines del siglo XIX en los suplementos de entretenimiento de los diarios norteamericanos, como tiras cómicas ("comic"), y pasa a servir como gran medio educativo integrador para los millones de inmigrantes que llegan al país, al permitir, mediante la asociación de textos simples e imágenes, un rápido conocimiento práctico del idioma inglés. Luego, recogiendo la herencia de los seriales radiofónicos de misterio, cumple la tarea de contribuir a la construcción de autoestima durante la depresión posterior a 1929, mostrando a Estados Unidos como una cultura superior mediante comics como Mandrake, cuyo servidor Lothar renuncia al mundo de una tribu africana para servir al hombre blanco, Flash Gordon que lucha en el planeta Mongo contra el dictador de rasgos orientales Ming y otras historias en cuyo vértice podemos situar el momento (1938) en que Jerry Siegel y Joe Shuster crean Superman, con la tarea de defender a una humanidad sinónimo de Estados Unidos.

El paso que hace de puente hacia el comic-arte europeo, según distintos estudios del tema, se da en 1940 cuando Will Eisner publica The Spirit, un héroe que sin utilizar superpoderes sienta su ventaja excepcional en que nadie conocerá jamás su identidad, ya que The Spirit es Denny Colt, investigador privado al que todos dan por muerto. Utilizando su inteligencia, y dejando que las propias contradicciones de los malhechores sean los que acaben con ellos, The Spirit marca un nuevo camino para el comic, tanto en su contenido como en el lenguaje gráfico y el ritmo narrativo.

Sobre el comic en Europa reflexiona el coautor de El Discurso del comic, Román Gubern: "El tardío desquite estético europeo en este medio llegó en los años sesenta, cuando ya Andy Warhol, Roy Lichtenstein y las huestes del pop-art habían reclinado sus figuraciones en las galerías de Manhattan.(…) Las provocativas heroínas Valentina, Barbarella, Jodelle, Pravda, recurrieron al erotismo de choque para quebrar las vallas de gueto infantil que oprimían al medio, en un impulso estético concomitante con el de la nueva ola en el cine francés y la nueva sensibilidad propuesta por Antonioni, Alain Resnais, Godard. (…) Fue entonces cuando el mundo académico, de la mano de Umberto Eco, se dignó a echar una mirada al universo de las viñetas y el difunto Tebeo se metamorfoseó en narración figurativa y literatura dibujada."

En el otro extremo del planeta, a partir del siglo XI se popularizaron en Japón las imágenes humorísticas de animales seriadas en pergaminos, obra del sacerdote artista Toba (1053-1140). Pero fue durante el período Edo (1600-1867) cuando aparecen los ukiyo-e ("imágenes del mundo flotante"), sucesiones de viñetas hechas a partir de planchas de madera, de temática picaresca y erótica, uno de cuyos principales cultores fue el pintor Katsuhika Kokusai (1760-1849), quien publicó en 1814 el primero de sus Hokusai Manga, uniendo en este término los caracteres man: a pesar de uno mismo, involuntario, y ga: dibujo, imagen, lo que resultaba en algo así como las imágenes a pesar de sí mismas.

El manga japonés ha introducido grandes diferencias en el ritmo narrativo, fragmentando escenas e incluso pensamientos en varios cuadros, así como imprimiendo mayor intensidad a la narración mediante el uso de líneas cinéticas para subrayar el movimiento, la velocidad, la acción. En el manga prácticamente no existen textos de apoyo o globos de pensamiento, en tanto hay gran despliegue de onomatopeyas y efectos de sonido de todo tipo, el viento, la lluvia, llegando el maestro Tezuka a crear la onomatopeya "shiin" para expresar el silencio. Kazuo Koike, guionista de manga, explica la estética japonesa en entrevista de Frank Miller (Comics Interview): "Los comics japoneses tienden a que una viñeta interfiera con la viñeta siguiente, formando una secuencia. Cuando Superman vuela en el cielo, si es dibujado en una sola viñeta, resulta una imagen estática. En los cómics japoneses, un personaje volará a lo largo de tres viñetas mientras se enfocan su cabeza, su cuerpo y sus pies."

En Latinoamérica el comic se instala con fuerza en la primera mitad del siglo XX, en Brasil, México y Argentina, donde se genera la denominación del comic como historieta, y a partir del trabajo pionero en las editoriales de Buenos Aires de Hugo Pratt, Héctor G. Oesterheld, Alberto Breccia, se llega a influir al comic europeo al incursionar en Milán, Barcelona, París algunos de sus mayores escritores y dibujantes, Horacio Altuna, Carlos Trillo, Jorge Zentner, Carlos Sampayo…, sin olvidar el aporte tremendo al género del chileno Alejandro Jodorosvsky. En Colombia, entre otros proyectos sin continuidad de distintos autores se encuentran los posters murales.